sábado, 26 de octubre de 2013
Concurso de cine 27 (resuelto)
Y siguiendo con el tema del último enigma, ¿qué película de Buñuel tiene una segunda parte llevada a cabo por otro prestigioso director?
viernes, 25 de octubre de 2013
Concurso de cine 26
Muchas veces se dice que el cine de hoy está carente de ideas y tiene que recurrir a explotar viejos argumentos, pero en realidad el concepto de remake es tan viejo como el cine mismo y hasta los grandes maestros han recurrido a él. Sin ir más lejos, mi cineasta favorito, el hispano-mexicano Luis Buñuel, firmó en nada menos que cinco ocasiones versiones de películas anteriores o basadas en argumentos literarios que ya habían sido adaptados a la gran pantalla. ¿Alguien me podría decir de cuáles se trata?
martes, 22 de octubre de 2013
Dos películas sobre Stanley Kubrick en La Esencia
En el cine-fórum de La Esencia (C/ Esperanza 8. Madrid), el próximo lunes (28/10/2013) a las 19:00 horas veremos dos películas sobre el genial cineasta Stanley Kubrick dentro del ciclo Concomitancias. ¡Entrada gratuita!
Si hace unas semanas descubríamos la verdadera historia del cine, este lunes descubriremos la verdadera historia de la conquista de la Luna. ¿Ha llegado realmente el hombre a la Luna? ¿Fue todo una invención filmada por Stanley Kubrick? ¿Son ustedes conspiranoicos? Para aclararnos un poco las ideas, veremos Opération Lune (The Dark Side of the Moon, William Karel, 2002, 52'). Lamentablemente, no hemos conseguido copia en versión original con subtítulos, así que, en esta ocasión, se proyectará en versión doblada. A continuación veremos un documental que escarba en el verdadero significado profundo de las peliculas de Stanley Kubrick, Room 237 (Rodney Ascher, 2012, 102'). Esta sí será en versión original con subtítulos en español.
Críticas a Room 237: "Al igual que El resplandor y su laberinto dentro de un laberinto, la película del señor Ascher es una especie de laberinto. Descubrir tu camino a través de su recopilación de ideas chifladas y vagamente lúcidas resulta un placer" (Manohla Dargis, The New York Times); "Room 237 concuerda perfectamente con El resplandor, ya que, incluso más que El resplandor misma, te coloca justo dentro de la lógica de cómo piensa un loco" (Owen Gleiberman, Entertainment Weekly).
Premios a Opération Lune: un premio y una nominación en festivales internacionales.
Premios a Room 237: dos premios y tres nominaciones.
Ficha de Opération Lune en IMDb: http://www.imdb.com/title/tt0344160/
Ficha de Opération Lune en filmaffinity: http://www.filmaffinity.com/es/film689975.html
Ficha de Room 237 en IMDb: http://www.imdb.com/title/tt2085910/
Ficha de Room 237 en filmaffinity: http://www.filmaffinity.com/es/film742643.html
Si hace unas semanas descubríamos la verdadera historia del cine, este lunes descubriremos la verdadera historia de la conquista de la Luna. ¿Ha llegado realmente el hombre a la Luna? ¿Fue todo una invención filmada por Stanley Kubrick? ¿Son ustedes conspiranoicos? Para aclararnos un poco las ideas, veremos Opération Lune (The Dark Side of the Moon, William Karel, 2002, 52'). Lamentablemente, no hemos conseguido copia en versión original con subtítulos, así que, en esta ocasión, se proyectará en versión doblada. A continuación veremos un documental que escarba en el verdadero significado profundo de las peliculas de Stanley Kubrick, Room 237 (Rodney Ascher, 2012, 102'). Esta sí será en versión original con subtítulos en español.
Críticas a Room 237: "Al igual que El resplandor y su laberinto dentro de un laberinto, la película del señor Ascher es una especie de laberinto. Descubrir tu camino a través de su recopilación de ideas chifladas y vagamente lúcidas resulta un placer" (Manohla Dargis, The New York Times); "Room 237 concuerda perfectamente con El resplandor, ya que, incluso más que El resplandor misma, te coloca justo dentro de la lógica de cómo piensa un loco" (Owen Gleiberman, Entertainment Weekly).
Premios a Opération Lune: un premio y una nominación en festivales internacionales.
Premios a Room 237: dos premios y tres nominaciones.
Ficha de Opération Lune en IMDb: http://www.imdb.com/title/tt0344160/
Ficha de Opération Lune en filmaffinity: http://www.filmaffinity.com/es/film689975.html
Ficha de Room 237 en IMDb: http://www.imdb.com/title/tt2085910/
Ficha de Room 237 en filmaffinity: http://www.filmaffinity.com/es/film742643.html
lunes, 21 de octubre de 2013
Yuly Castaño presenta "Dancer in the Dark"
Aunque todavía no ha acabado el ciclo "Concomitancias", del que aún quedan dos sesiones, hemos adelantado una de las sesiones del próximo ciclo, "Mi película favorita", en la que los asiduos al festival presentarán sus filmes preferidos, porque esta era la única fecha que venía bien a Yuly Castaño, pues, desgraciadamente, en tres semanas se regresa a su país: Colombia. Desde estas líneas le deseamos lo mejor en su nuevo periplo. ¡Yuly, te vamos a extrañar!
Esta es la presentación de la película Dancer in the Dark (2000), dirigida por el danés Lars von Trier, a cargo de Yuly Castaño:
Lars von Trier es uno de los creadores del Dogma 95, que es un movimiento de cineastas que pretendían hacer un cine más puro técnicamente y sin tanta espectacularidad o efectos especiales. Aunque esta película no es totalmente fiel a este movimiento, tampoco abusa de recursos y mantiene la misma línea. Este film es un drama musical que dura 134 minutos.
Elegí esta película porque la historia es emocionalmente bastante fuerte; la forma en que se desarrolla, interesante y atrapadora, y técnicamente particular, como todas la películas de Lars von Trier. Al final de la proyección podemos comentar todos estos detalles y los que se nos ocurran.
Será el lunes, 21 de octubre, a las siete de la tarde, en el bar La Esencia (C/ Esperanza 8). El film se proyectará en versión original con subtítulos en español. Entrada gratuita.
Sinopsis: Selma, inmigrante checa y madre soltera, trabaja en la fábrica de un pueblo de los Estados Unidos. La única vía de escape a tan rutinaria vida es su pasión por la música, especialmente por las canciones y los números de baile de los musicales clásicos de Hollywood. Selma esconde un triste secreto: está perdiendo la vista, pero lo peor es que su hijo también se quedará ciego, si ella no consigue, a tiempo, el dinero suficiente para que se opere. Tercera película de la trilogía "Corazón dorado" de Lars Von Trier (filmaffinity).
Críticas: "[...] Constituye una apuesta de riesgo, acometida desde un convencimiento que llega a la petulancia en un desmañado espontaneísmo que roza los postulados del "dogma", con la entrega incondicional de los intérpretes, donde brillan una madura Catherine Deneuve y sobre todo la particular Björk, toda una revelación. Se ama o se odia, y despertó un enorme eco crítico, ratificando al director como un cineasta sobresaliente, para bien o para mal, en el cine contemporáneo" (C. Aguilar: Guía del cine, 2009); "Extraordinaria película (...) aterradora y genial (...). Desde Léolo jamás me había impresionado tanto una obra de arte" (Carlos Boyero, El Mundo); "Lars Von Trier inventa en un brote de genio un asombroso y arrollador drama musical" (Ángel Fernández Santos, El País).
Premios: ganadora de la palma de oro en Cannes y nominada a un Oscar. Otros 27 premios y 34 nominaciones.
Ficha en IMDb: http://www.imdb.com/title/tt0168629/
Ficha en filmaffinity: http://www.filmaffinity.com/es/film552917.html
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| Yuly Castaño |
Esta es la presentación de la película Dancer in the Dark (2000), dirigida por el danés Lars von Trier, a cargo de Yuly Castaño:
Lars von Trier es uno de los creadores del Dogma 95, que es un movimiento de cineastas que pretendían hacer un cine más puro técnicamente y sin tanta espectacularidad o efectos especiales. Aunque esta película no es totalmente fiel a este movimiento, tampoco abusa de recursos y mantiene la misma línea. Este film es un drama musical que dura 134 minutos.
Elegí esta película porque la historia es emocionalmente bastante fuerte; la forma en que se desarrolla, interesante y atrapadora, y técnicamente particular, como todas la películas de Lars von Trier. Al final de la proyección podemos comentar todos estos detalles y los que se nos ocurran.
Será el lunes, 21 de octubre, a las siete de la tarde, en el bar La Esencia (C/ Esperanza 8). El film se proyectará en versión original con subtítulos en español. Entrada gratuita.
Sinopsis: Selma, inmigrante checa y madre soltera, trabaja en la fábrica de un pueblo de los Estados Unidos. La única vía de escape a tan rutinaria vida es su pasión por la música, especialmente por las canciones y los números de baile de los musicales clásicos de Hollywood. Selma esconde un triste secreto: está perdiendo la vista, pero lo peor es que su hijo también se quedará ciego, si ella no consigue, a tiempo, el dinero suficiente para que se opere. Tercera película de la trilogía "Corazón dorado" de Lars Von Trier (filmaffinity).
Críticas: "[...] Constituye una apuesta de riesgo, acometida desde un convencimiento que llega a la petulancia en un desmañado espontaneísmo que roza los postulados del "dogma", con la entrega incondicional de los intérpretes, donde brillan una madura Catherine Deneuve y sobre todo la particular Björk, toda una revelación. Se ama o se odia, y despertó un enorme eco crítico, ratificando al director como un cineasta sobresaliente, para bien o para mal, en el cine contemporáneo" (C. Aguilar: Guía del cine, 2009); "Extraordinaria película (...) aterradora y genial (...). Desde Léolo jamás me había impresionado tanto una obra de arte" (Carlos Boyero, El Mundo); "Lars Von Trier inventa en un brote de genio un asombroso y arrollador drama musical" (Ángel Fernández Santos, El País).
Premios: ganadora de la palma de oro en Cannes y nominada a un Oscar. Otros 27 premios y 34 nominaciones.
Ficha en IMDb: http://www.imdb.com/title/tt0168629/
Ficha en filmaffinity: http://www.filmaffinity.com/es/film552917.html
viernes, 11 de octubre de 2013
"El sol del membrillo" en La Esencia
Dentro del ciclo "Concomitancias", este lunes presentamos en el cine-fórum de La Esencia una película importantísima en lo que a las relaciones entre el documental y la ficción se refiere, además de ser un clásico del cine español: El sol del membrillo (Víctor Erice, 1992, 134'), sobre la obra del pintor Antonio López. Antes veremos otro capítulo de "Historias para no dormir", que será el número 18 de los que llevamos vistos hasta el momento: la segunda parte de "El muñeco".
Datos de la proyección:
Lugar: Bar La Esencia.Calle Esperanza 8. Lavapiés. Madrid.
Fecha: 14/10/2013.
Hora: 19:00.
Entrada gratuita.
Sinopsis: Ésta es la historia de un artista (Antonio López) que trata de pintar, durante la época de maduración de sus frutos, un árbol —un membrillero— que hace tiempo plantó en el jardín de la casa que ahora le sirve de estudio. A lo largo de su vida, casi como una necesidad, el pintor ha trabajado sobre el mismo tema en muchas ocasiones. Cada año, con la llegada del otoño, esa necesidad se renueva. Lo que el artista no ha hecho nunca en su pintura del árbol es introducir entre sus hojas los rayos del sol. Desde el estilo que le es propio —un estilo que parte de la exactitud— esa tentativa posee una gran dificultad, se revela, según las circustancias, casi como una imposibilidad. En esta ocasión decide afrontarla. Pero lo hace como es habitual en él, con una tensión razonable, sin perseguir siquiera el acabado del cuadro, sin otro afán que permanecer unas semanas junto al frágil y generoso árbol. La película da cuenta de esta experiencia y, a la vez, de todo aquello (el paso de los días, la rutina cotidiana de personas y cosas...) que gravitan sobre esa casa y ese jardín. Un espacio y un tiempo —otoño de 1990— donde el artista trabaja y los frutos del árbol llegan al momento de su máximo esplendor. Cuando el invierno empieza a anunciar su llegada, los membrillos maduros, al caer de las ramas, ponen punto final a la labor del pintor, iniciando en tierra el proceso de su descomposición. Es entonces cuando, en la noche, el pintor nos cuenta un sueño (filmaffinity).
Crítica: "El esperado regreso de Víctor Erice a la realización cinematográfica, tras El sur. Propone una ficción documentalista, o un documental dramatizdo, en torno del pintor Antonio López, en general, y del cuadro que concibe en el jardín de su casa, en particular. Unas veces asombra por el rigor, la lógica y la autoconvicción que mantiene, pero otras fastidia, ora por su cerebralismo ora por los paréntesis supuestamente espontáneos. Ahora bien, parte de un principio teórico admirable: conservar el arte cinematográfico en la serenidad" (C. Aguilar: Guía del cine, 2009).
Premios: galardón de Fipresci y del jurado y nominado a la Palma de Oro en Cannes 1992, gran premio Hugo de Oro al mejor largometraje de ficción en el festival de Chicago 1992, primer premio en el festival internacional de Uruguay 1993, galardón de ADIRCE al mejor director español en 1993, entre otros premios y nominaciones .
Curiosidades: votada mejor película de la década de los 90 por una encuesta entre filmotecas y festivales de todo el mundo organizada por la Cinemateca de Ontario en 1999.
Ficha de El sol del membrillo en IMDb: http://www.imdb.com/title/tt0105438/
Ficha de El sol del membrillo en filmaffinity: http://www.filmaffinity.com/es/film532313.html
Ficha de "El muñeco" en IMDb: http://www.imdb.com/title/tt0601986/
Datos de la proyección:
Lugar: Bar La Esencia.Calle Esperanza 8. Lavapiés. Madrid.
Fecha: 14/10/2013.
Hora: 19:00.
Entrada gratuita.
Sinopsis: Ésta es la historia de un artista (Antonio López) que trata de pintar, durante la época de maduración de sus frutos, un árbol —un membrillero— que hace tiempo plantó en el jardín de la casa que ahora le sirve de estudio. A lo largo de su vida, casi como una necesidad, el pintor ha trabajado sobre el mismo tema en muchas ocasiones. Cada año, con la llegada del otoño, esa necesidad se renueva. Lo que el artista no ha hecho nunca en su pintura del árbol es introducir entre sus hojas los rayos del sol. Desde el estilo que le es propio —un estilo que parte de la exactitud— esa tentativa posee una gran dificultad, se revela, según las circustancias, casi como una imposibilidad. En esta ocasión decide afrontarla. Pero lo hace como es habitual en él, con una tensión razonable, sin perseguir siquiera el acabado del cuadro, sin otro afán que permanecer unas semanas junto al frágil y generoso árbol. La película da cuenta de esta experiencia y, a la vez, de todo aquello (el paso de los días, la rutina cotidiana de personas y cosas...) que gravitan sobre esa casa y ese jardín. Un espacio y un tiempo —otoño de 1990— donde el artista trabaja y los frutos del árbol llegan al momento de su máximo esplendor. Cuando el invierno empieza a anunciar su llegada, los membrillos maduros, al caer de las ramas, ponen punto final a la labor del pintor, iniciando en tierra el proceso de su descomposición. Es entonces cuando, en la noche, el pintor nos cuenta un sueño (filmaffinity).
Crítica: "El esperado regreso de Víctor Erice a la realización cinematográfica, tras El sur. Propone una ficción documentalista, o un documental dramatizdo, en torno del pintor Antonio López, en general, y del cuadro que concibe en el jardín de su casa, en particular. Unas veces asombra por el rigor, la lógica y la autoconvicción que mantiene, pero otras fastidia, ora por su cerebralismo ora por los paréntesis supuestamente espontáneos. Ahora bien, parte de un principio teórico admirable: conservar el arte cinematográfico en la serenidad" (C. Aguilar: Guía del cine, 2009).
Premios: galardón de Fipresci y del jurado y nominado a la Palma de Oro en Cannes 1992, gran premio Hugo de Oro al mejor largometraje de ficción en el festival de Chicago 1992, primer premio en el festival internacional de Uruguay 1993, galardón de ADIRCE al mejor director español en 1993, entre otros premios y nominaciones .
Curiosidades: votada mejor película de la década de los 90 por una encuesta entre filmotecas y festivales de todo el mundo organizada por la Cinemateca de Ontario en 1999.
Ficha de El sol del membrillo en IMDb: http://www.imdb.com/title/tt0105438/
Ficha de El sol del membrillo en filmaffinity: http://www.filmaffinity.com/es/film532313.html
Ficha de "El muñeco" en IMDb: http://www.imdb.com/title/tt0601986/
lunes, 7 de octubre de 2013
"Lo sceicco bianco": Fellini y la duda de la pureza femenina
El madrileño Círculo de Bellas Artes propone el estimulante ciclo Opera Prima, en el que nos muestra las primeras películas dirigidos por algunos de los que más tarde se convertirían en algunos de los cineastas más grandes de todos los tiempos: Federico Fellini, Roman Polanski, Francis Ford Coppola, Michelangelo Antonioni, Martin Scorsese, los hermanos Coen, Steven Sodenbergh, Mario Monicelli y Steno y Charles Laughton (en este caso su primera película y también la última, puesto que es la única que dirigió). En estas cintas, a menudo titubeantes intentos de entrar en el cine comercial, resulta interesante descubrir los temas y obsesiones que posteriormente va a tratar el director en su cine más personal, así como esclarecedores si bien balbucientes intentos de encontrar un estilo, una estética propia.
En primer lugar, del ciclo llama la atención la selección de películas. Nada que objetar a la selección de directores, pero es curioso observar que, de sus filmografías, han descartado no solo los cortometrajes o mediometrajes realizados por estos directores sino también las películas que dirigieron a medias con otro cineasta e, incluso, en el caso de Francis Ford Coppola, se ignora (aparte de un re-montaje de una película soviética) su primer largometraje como director en exclusiva: el western Tonight for Sure (1962).
Dentro del ciclo, ayer vi Lo sceicco bianco (El jeque blanco, 1952), el primer largometraje dirigido a solas por Federico Fellini. Lo primero que me sorprendió fue descubrir que el planteamiento de la película es el mismo que el de una de las historias de la muy posterior To Rome with Love (2012) de Woody Allen, quien nunca ha negado su pasión por el director italiano, quizá el director que le haya influido más y al que más ha tratado de copiar si exceptuamos al sueco Ingmar Bergman.
Como decía antes, en el filme se observan numerosos tics y amagos de lo que serán las constantes del posterior cine de Fellini, como su gusto por contar historias sobre el propio cine, la observación de los rostros de los personajes secundarios (también típica del cine de Rossellini y Pasolini), la importancia de la familia en la socidad italiana...
En cuanto a la lectura moral de la cinta, nos habla (al igual que la versión de Allen) de una recién casada esposa que sueña con vivir un romance de fotonovela pero que finalmente se da cuenta de que la realidad es más segura que la ficción (lo que nos recuerda a otra de las grandes cintas del judío neoyorquino de gafas: The Purple Rose of Cairo), pero en la última secuencia, cuando la joven esposa asegura a su marido de que sigue siendo pura y el hombre suspira aliviado, nos queda la duda de qué hubiera pasado de no haberse encontrado con la esposa del jeque blanco que interpreta magníficamente Alberto Sordi
viernes, 4 de octubre de 2013
La tierra tiembla en La Esencia
No, no se asusten por el título. No se trata de un terremoto. Es que este lunes veremos en el cine-fórum de La Esencia, dentro del ciclo "Concomitancias" un clásico entre los clásicos: La terra trema: Episodio del mare (La tierra tiembla) de Lucchino Visconti (1948, 154'), libre adaptación de la novela de Giovanni Verga I Malavoglia narrada por el propio cineasta. ¿Realidad o ficción? Antes veremos la primera parte de la historia para no dormir "El muñeco" (1966, 23'), basada en un relato de Robert Bloch, el autor de la novela Psycho, llevada al cine por Alfred Hitchcock.
Datos de la proyección:
Lugar: Bar La Esencia. Calle Esperanza 8. Lavapiés. Madrid.
Día: lunes 07/10/2013.
Hora: 19:00.
Versión original con subtítulos en castellano.
Entrada libre.
Sinopsis: la lucha de un pescador ('Ntoni Valastro) y su familia para liberarse de la explotación de los mayoristas de la pesca.
Críticas: "La poesía del autor se deja ver a través de un tono documental. Las canciones de los trabajadores, la faena de los pescadores, los dramas familiares, y finalmente el vivir de unas gentes sencillas es lo que pretende retratar La terra trema, halado en dialecto siciliano. Un film a la vez bello y desgarrado" (Carlos Aguilar: Guía del cine, 2009); "Powerful, lyrical neorelist classic about poor family in a Sicilian fishing village, exploited by fish wholesalers and boat owners. Filmed on location, and in Sicilian dialect with a non-professional cast [...]" (Leonard Maltin: Movie Guide, 2011).
Premios: ganadora del premio internacional del festival de Venecia de 1948 y nominada al León de Oro en ese mismo festival.
Ficha de La terra trema en IMDb: http://www.imdb.com/title/tt0040866/
Ficha de La terra trema en filmaffinity: http://www.filmaffinity.com/es/film169732.html
Ficha de "El muñeco" en IMDb: http://www.imdb.com/title/tt0601986/
Datos de la proyección:
Lugar: Bar La Esencia. Calle Esperanza 8. Lavapiés. Madrid.
Día: lunes 07/10/2013.
Hora: 19:00.
Versión original con subtítulos en castellano.
Entrada libre.
Sinopsis: la lucha de un pescador ('Ntoni Valastro) y su familia para liberarse de la explotación de los mayoristas de la pesca.
Críticas: "La poesía del autor se deja ver a través de un tono documental. Las canciones de los trabajadores, la faena de los pescadores, los dramas familiares, y finalmente el vivir de unas gentes sencillas es lo que pretende retratar La terra trema, halado en dialecto siciliano. Un film a la vez bello y desgarrado" (Carlos Aguilar: Guía del cine, 2009); "Powerful, lyrical neorelist classic about poor family in a Sicilian fishing village, exploited by fish wholesalers and boat owners. Filmed on location, and in Sicilian dialect with a non-professional cast [...]" (Leonard Maltin: Movie Guide, 2011).
Premios: ganadora del premio internacional del festival de Venecia de 1948 y nominada al León de Oro en ese mismo festival.
Ficha de La terra trema en IMDb: http://www.imdb.com/title/tt0040866/
Ficha de La terra trema en filmaffinity: http://www.filmaffinity.com/es/film169732.html
Ficha de "El muñeco" en IMDb: http://www.imdb.com/title/tt0601986/
domingo, 29 de septiembre de 2013
"Close-Up" en La Esencia
Dentro del ciclo "Concomitancias" este lunes traemos una película que nos ha marcado: Nema-ye Nazdik (Close-Up [Primer plano], Abbas Kiarostami, 1990, 93'). Antes veremos otro capítulo de Historias para no dormir. En concreto, será el número 16 de los que llevamos vistos y su título es "La sonrisa".
Datos de la proyección:
Fecha: 30/09/2013.
Hora: 19:00.
Lugar: Bar La Esencia. Calle Esperanza, 8. Lavapiés. Madrid.
Versión original con subtítulos en español.
Entrada libre.
Sinopsis: un fanático del cine finge ser el reputado director iraní Mohsen Makmalbaf.
Premios: galardón de la crítica en el festival de Montréal de 1990 y premio Fipresci en el festival de Estambul 1992
Curiosidades: votada en una encuesta entre críticos de la revista Sight & Sound como una de las 50 mejores de la historia del cine; votada en el número 4 entre las mejores películas de los años 90 en una encuesta entre filmotecas y festivales de todo el mundo organizada por la Cinemateca de Ontario, e incluida en la lista de las mejores películas de 1990 por Cahiers du Cinéma.
Ficha de Close-Up en IMDb: http://www.imdb.com/title/tt0100234/
Ficha de Close-Up en filmaffinity: http://www.filmaffinity.com/es/film301886.html
Ficha de "La sonrisa" en IMDb: http://www.imdb.com/title/tt0601983/
Si en el debate posterior a la película, Óscar García relacionó Zire darakhatan zeyton (A través de los olivos, 1994), del mismo director, con el cine de Michelangelo Antonioni, me permito hacer un par de reflexiones que relacionan Close-Up con el cine italiano y, más en concreto, con la corriente conocida como neorrealismo y sus derivados. En primer lugar, toda la cinta tiene un sabor al cine humanista de Roberto Rosellini (algo que Óscar calificó de "tono paternalista"). Da la sensación de que también de Rosellini (y de Pier Paolo Pasolini) toma Kiarostami su gusto por unos rostros que no podríamos calificar de agraciados pero sí de muy reales y fotogénicos. Por último, relaciono la última secuencia de la película con el cine de Federico Fellini, en concreto con 8 1/2, Block-notes di un regista y los guiones nunca llevados a cabo Viaggio a Tulum y Il viaggio di G. Mastorna. Me refiero al hecho, tan poético, de que cuando termina la película que vemos, empieza otra, pues ahora, por fin, con la ayuda de Kiarostami y Makhmalbaf, Hossain Sabzian puede realizar su soñada película, de hecho ya ha dirigido y guionizado una escena, que es la de la moto, que, según afirma en el juicio, él ya había pensado antes de que la magia del cine la convirtiera en realidad.
Por otro lado, invito a los interesados que ayer discutían sobre la veracidad de la parte documental de la película (la entrevista y el juicio) a que consulten esta página, si es que saben inglés, y si no, ésta.
Datos de la proyección:
Fecha: 30/09/2013.
Hora: 19:00.
Lugar: Bar La Esencia. Calle Esperanza, 8. Lavapiés. Madrid.
Versión original con subtítulos en español.
Entrada libre.
Sinopsis: un fanático del cine finge ser el reputado director iraní Mohsen Makmalbaf.
Premios: galardón de la crítica en el festival de Montréal de 1990 y premio Fipresci en el festival de Estambul 1992
Curiosidades: votada en una encuesta entre críticos de la revista Sight & Sound como una de las 50 mejores de la historia del cine; votada en el número 4 entre las mejores películas de los años 90 en una encuesta entre filmotecas y festivales de todo el mundo organizada por la Cinemateca de Ontario, e incluida en la lista de las mejores películas de 1990 por Cahiers du Cinéma.
Ficha de Close-Up en IMDb: http://www.imdb.com/title/tt0100234/
Ficha de Close-Up en filmaffinity: http://www.filmaffinity.com/es/film301886.html
Ficha de "La sonrisa" en IMDb: http://www.imdb.com/title/tt0601983/
Un par de reflexiones sobre la película: Kiarostami y el neorrealismo italiano
Si en el debate posterior a la película, Óscar García relacionó Zire darakhatan zeyton (A través de los olivos, 1994), del mismo director, con el cine de Michelangelo Antonioni, me permito hacer un par de reflexiones que relacionan Close-Up con el cine italiano y, más en concreto, con la corriente conocida como neorrealismo y sus derivados. En primer lugar, toda la cinta tiene un sabor al cine humanista de Roberto Rosellini (algo que Óscar calificó de "tono paternalista"). Da la sensación de que también de Rosellini (y de Pier Paolo Pasolini) toma Kiarostami su gusto por unos rostros que no podríamos calificar de agraciados pero sí de muy reales y fotogénicos. Por último, relaciono la última secuencia de la película con el cine de Federico Fellini, en concreto con 8 1/2, Block-notes di un regista y los guiones nunca llevados a cabo Viaggio a Tulum y Il viaggio di G. Mastorna. Me refiero al hecho, tan poético, de que cuando termina la película que vemos, empieza otra, pues ahora, por fin, con la ayuda de Kiarostami y Makhmalbaf, Hossain Sabzian puede realizar su soñada película, de hecho ya ha dirigido y guionizado una escena, que es la de la moto, que, según afirma en el juicio, él ya había pensado antes de que la magia del cine la convirtiera en realidad.
Por otro lado, invito a los interesados que ayer discutían sobre la veracidad de la parte documental de la película (la entrevista y el juicio) a que consulten esta página, si es que saben inglés, y si no, ésta.
El mal "casting" de "Storie di ordinaria follia"
Me resulta difícil dar un juicio tajante sobre Storie di ordinaria follia (Ordinaria locura, Marco Ferreri, 1981), que, pese al título original, fue rodada en inglés. Para empezar, los seguidores de este blog saben que me encantan los productos que se hacen pasar por hollywoodienses sin serlo, lo cual ya es un punto a favor de esta cinta. Sin embargo, lo peor de esta producción es, en mi opinión, la selección de actores, pues no me creo a Ben Gazzara haciendo del borracho, jode-putas, machista y brutal escritor Charles Bukowski ni a Ornella Muti de prostituta auto-lesionadora/monja.
Recuerdo que descubrí la literatura de Bukowski en mi primer año de universidad porque tenía un amigo del instituto al que le encantaba. Sin embargo, y salvando un par de novelas, su obra nunca me llegó a enganchar.
Esta cinta pertenece a la última etapa del cine de Marco Ferreri, al igual que La grande bouffe (1973) ―película que, increíblemente, Buñuel menciona como una de sus favoritas en sus memorias―, época que, en mi opinión, dista mucho en términos de calidad, originalidad y agudeza en comparación con sus primeras cintas, tales como El pisito (1959) o El cochecito (1960).
En cualquier caso, este film cuenta con valores notables (en especial, lo bien que refleja la sordidez de los ambientes que frecuentaba el escritor) aunque, por otro lado, he de confesar que no se ha convertido precisamente en una de mis películas favoritas.
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| Cartel de la versión francesa de la película |
Recuerdo que descubrí la literatura de Bukowski en mi primer año de universidad porque tenía un amigo del instituto al que le encantaba. Sin embargo, y salvando un par de novelas, su obra nunca me llegó a enganchar.
Esta cinta pertenece a la última etapa del cine de Marco Ferreri, al igual que La grande bouffe (1973) ―película que, increíblemente, Buñuel menciona como una de sus favoritas en sus memorias―, época que, en mi opinión, dista mucho en términos de calidad, originalidad y agudeza en comparación con sus primeras cintas, tales como El pisito (1959) o El cochecito (1960).
En cualquier caso, este film cuenta con valores notables (en especial, lo bien que refleja la sordidez de los ambientes que frecuentaba el escritor) aunque, por otro lado, he de confesar que no se ha convertido precisamente en una de mis películas favoritas.
viernes, 27 de septiembre de 2013
"Història de la meva mort": ¿continuación de "Honor de cavallería"?
Ayer se pre-estrenó en el museo Reina Sofía de Madrid Història de la meva mort, de Albert Serra, una película petulante y aburrida que en muchos sentidos parece la segunda parte de Honor de cavallería (pueden ver la mini-crítica que escribí sobre este film pinchando aquí), en una sesión que contó con la presencia del director y que constituyó todo un acontecimiento en el anoréxico panorama cultural español.
Serra fue en todo momento de sobrado, afirmando que en Madrid no tenemos oportunidad de ver películas tan buenas como la suya (me pregunto si también incluiría en el ramplón panorama cinematográfico de la Villa y Corte las otras películas que forman parte del ciclo).
En una interesante definición, el realizador afirmó que un amigo suyo dijo tras ver la película que esta mostraba "la belleza del horror y el horror de la belleza", pero, en mi opinión, la cinta no es más que un ejercicio de vacuidad tan recalcitrante como lo fue en su día Honor de cavallería (incluso coinciden varios de los actores), sólo que en este caso mucho más larga y soporífera. Por mucho que diga Serra que basa su cine en la acumulación, en realidad lo que había hecho en aquella ocasión había sido vaciar de significado y mítica, vulgarizar y banalizar la historia de Don Quijote. En este caso Serra hace lo propio con los mitos de Casanova y Drácula.
Sí me llamó la atención que en el coloquio que siguió a la proyección, el cineasta explicara su forma de trabajar, en concreto en relación con la dirección de actores y el uso del texto, pues dijo que los textos están escritos por él de antemano (yo me imaginaba que los actores improvisaban), pero en el montaje cambia el orden de los diálogos, de modo que ni los propios actores saben en qué va a consistir la película hasta que las ven, es decir, que la magia del cine (si es que se puede hablar de ella en esta película) se produce por primera vez en la pantalla, al ser proyectada.
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| Albert Serra. Foto: De la Vega |
Serra fue en todo momento de sobrado, afirmando que en Madrid no tenemos oportunidad de ver películas tan buenas como la suya (me pregunto si también incluiría en el ramplón panorama cinematográfico de la Villa y Corte las otras películas que forman parte del ciclo).
En una interesante definición, el realizador afirmó que un amigo suyo dijo tras ver la película que esta mostraba "la belleza del horror y el horror de la belleza", pero, en mi opinión, la cinta no es más que un ejercicio de vacuidad tan recalcitrante como lo fue en su día Honor de cavallería (incluso coinciden varios de los actores), sólo que en este caso mucho más larga y soporífera. Por mucho que diga Serra que basa su cine en la acumulación, en realidad lo que había hecho en aquella ocasión había sido vaciar de significado y mítica, vulgarizar y banalizar la historia de Don Quijote. En este caso Serra hace lo propio con los mitos de Casanova y Drácula.
Sí me llamó la atención que en el coloquio que siguió a la proyección, el cineasta explicara su forma de trabajar, en concreto en relación con la dirección de actores y el uso del texto, pues dijo que los textos están escritos por él de antemano (yo me imaginaba que los actores improvisaban), pero en el montaje cambia el orden de los diálogos, de modo que ni los propios actores saben en qué va a consistir la película hasta que las ven, es decir, que la magia del cine (si es que se puede hablar de ella en esta película) se produce por primera vez en la pantalla, al ser proyectada.
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