Mini-crítica de "Más allá del espejo"

Más allá del espejo (2006) es un interesante documental-ensayo muy pero que muy personal realizado por el genial documentalista catalán Joaquim Jordà. Digo lo de "muy personal" porque se trata de un estudio de la alexia, enfermedad que él mismo padecía. El origen del documental es la noticia que lee en un periódico sobre Ester Chumilla, una joven conquense que, tras una meningitis, dejó de ver, para luego recuperar el sentido de la visión pero sin entender lo que está viendo. La chica puede leer y escribir pero no interpretar lo que ve.

La película tiene varias lecturas, pero yo me quedé con el afán de superación que demuestran la mayor parte de los participantes en el documental, en especial Ester, una joven inteligentísima y muy despierta que logra todo lo que se propone pese a su tara, que ella se niega a que le afecte en su vida diaria. Me pareció un ejemplo de superación digno de elogio y del que todos tenemos mucho que aprender.

En cuanto a la calidad técnica del documental, tras ver Mones com la Becky (1999), una película muy compleja y con varios niveles de interpretación y que también trata el tema de las enfermedades de la psique, esta me defraudó un poco, pero en todo caso reconozco que tiene grandes valores cinematográficos y de contenido.

Sobre esta película dice C. Aguilar (2009): "Última realización del autor, quien ni siquiera llegó a terminarla, tarea efectuada por su montadora habitual de entonces, Núria Esquerra. Constituye un documental sobre casos de alexia, basada en la dolencia sufrida poco antes por el propio Jordà. Sin duda reiterativo y pesado, empero guarda cierto valor, y no sólo como testimonio personal/testamento del, cuando menos, polifacético y particular Joaquim Jordà".

Ficha en IMDb: http://www.imdb.com/title/tt0874953/
Ficha en filmaffinity: http://www.filmaffinity.com/es/film354031.html

Crítica de "Kuroi ame"

Kuroi ame (Lluvia negra, 1989) es una durísima reflexión acerca de la bomba atómica de Hiroshima y los efectos (tanto médicos como psicológicos y de otro tipo) que causó en la población japonesa no sólo en ese mismo momento, sino en los años que siguieron. El título de la película se refiere a la lluvia tóxica de color negro que cayó sobre Hiroshima minutos después de la explosión de la bomba y que cae, entre otra mucha gente, sobre el cuerpo de la protagonista, Yasuko.

Momento del film que más inquieta al público femenino: cuando se le cae el pelo a Yasuko por la radiación

La película tiene momentos distendidos, incluso graciosos, pero en los momentos en los que los protagonistas recuerdan el día fatídico, ningún espectador puede por menos que estremecerse ante los relatos de estos personajes, que, si bien son ficticios, sabemos por otras fuentes que todo lo que en la película se cuenta es rigurosamente cierto. En concreto, aparte de numerosas alusiones al día de la bomba, hay dos momentos en los que la cinta muestra ese día: al inicio de la película, cuando se muestra directamente los sucesos acaecidos, y, después, en un flash-back, cuando Shigematzu recuerda lo sucedido. Los personajes recuerdan el hecho una y otra vez, les ha impactado y marcado sus vidas, y se preguntan por los detalles: "¿Realmente los estadounidenses lanzaron las bombas para acabar antes con la guerra? ¿Por qué dos y no una? ¿Por qué ocurrió en Hiroshima y no en Tokio?". Las imágenes del día de los sucesos son muy realistas, con esas personas que más parecen espectros, con la carne caída a girones, deambulando por las calles de la ciudad sin rumbo mientras piden agua. Esas imágenes tan duras me recordaron al cómic Hadashi no Gen (Gen descalzo, de Keiji Nakazawa, retitulado comercialmente Hiroshima en España en una maniobra comercial de lo más estúpido). Sin embargo, a otros espectadores esas imágenes de espectros andantes les resultaron risibles (me imagino que no opinarían así si hubieran estado allí).

Es este un tema que desde pequeño me ha interesado y siempre he pensado que no se ha reflejado tanto en el cine como el otro gran desastre provocado por la II Guerra Mundial: el holocausto judío, quizá porque la industria estadounidense no se ha encargado de recordárnoslo hasta la saciedad, como ha hecho con el otro caso. También de pequeño, cuando me enteré de este desastre, me conmocionó el hecho de que las secuelas de un ataque (o accidente) nuclear puedan llegar a durar tanto e incluso a transmitirse de generación en generación. Por último, también desde pequeño tuve la intuición de que no iba a haber más ataques con bombas atómicas, porque el simple hecho de tener ese arma iba a disuadir a cualquier otro ejército de atacar determinado país. Supongo que los norteamericanos tenían claro lo que estaban haciendo y sus consecuencias cuando tomaron la decisión de enviar dos (¡DOS!) bombas contra Hiroshima y Nagasaki pero, en mi opinión, ese momento marcó un hito histórico en el sentido de que su destrucción fue mucho más inhumana e injusta que la que podría provocar la mayor de las guerras convencionales, en el sentido de que afectó por igual a niños, ancianos, y que sus resultados fueron mucho más devastadores que los de la peor de las armas convencionales.

La mayor parte de la cinta no trata del mismo día de la bomba, sino de la vida de los que la sufrieron años después. Obviamente, y aunque muchos sufrieron las consecuencias de la radiación años después, no están todo el tiempo tristes recordando el evento, sino que siguen sus vidas normales, plantan sus plantas (rociadas por la radiación), comen, hacen bromas, disfrutan de la vida... Esto a algunos espectadores también les pareció banal pero a mí me parece que lidia muy bien con el hecho de vivir con una realidad tan fuerte a tus espaldas.

La fotografía en blanco y negro logra replicar tan bien el tono de los filmes clásicos japoneses de los 50 que cuando me enteré de que esta película era de finales de la década de los años 80, me costó creerlo. La película tiene un marcado tono costumbrista y realista, sin embargo hay dos momentos que, deliberadamente, no lo son: el momento en el que el loco novio de Yasuko cuenta sus recuerdos sobre la guerra y un foco le apunta directamente al rostro, aunque él se mueva, y la estilizada, manierista y bellísima secuencia en la que Yasuko, poco antes de morir, ve una carpa enorme saltar un montón de veces en el río. Esto puede tener un significado simbólico de que aunque muchos seres humanos afectados por la radiación mueren en esa época, unos cinco años después del estallido, el río, tan afectado por la contaminación radiactiva, se ha por fin depurado y permite de nuevo la vida, se inicia el ciclo de la naturaleza, esa naturaleza tan presente en el film y a la que tanto dañó la guerra atómica.

En definitiva, una película sobre el desastre nuclear que interesará a todo aquel con interés en Japón, en la historia reciente o en el buen cine.

Sobre esta película, C. Aguilar (2009) ha afirmado: "Una de las películas más prestigiosas y aclamadas de Imamura (...). Impresiona y produce admiración, sobre todo por apartarse tanto del victimismo como de la demagogia o los resentimientos políticos y humanitarios. Lo que no significa que carezca de la sempiterna farragosidad de la filmografía de su autor: tods sus película quedarían perfectas de suprimirse una media hora".

Por su parte, el equipo dirigido por L. Maltin (2011) le da tres estrellas sobre un total de cuatro y la califica de "somber, restrained, nd very moving story detailing five years in the life of a family which survived Hiroshima, and the ways their bodies and souls are poisoned by the fallout -or 'black rain'. A quietly observant character study with a number of hunting black and white images".

Ficha en IMDb: http://www.imdb.com/title/tt0097694/
Ficha en filmaffinity: http://www.filmaffinity.com/es/film255090.html

Crítica de "Drive"

Veo por cuarta vez Drive (Nicolas Winding Refn, 2011), un film al mismo tiempo poético, sutil, violento, repulsivo, subyugante e inquietante, que me ha marcado como pocos. Ya sólo la primera secuencia, los títulos de crédito (un tanto kitsch) y la música que los acompaña me impresionaron y me siguen estremeciendo vez tras vez, de un modo que sólo otra película había logrado anteriormente: Pulp Fiction (Quentin Tarantino, 1994). También, como esta última, Drive ha tenido críticas por lo que algunos consideran excesiva violencia que contiene y, sí, es verdad que tiene dosis masivas de agresividad, sobre todo en dos momentos concretos de la cinta, así que no recomendamos que lleven a sus hijos pequeños a verla.

Esta película me ha obsesionado tanto que me puse a buscar de dónde venía tanta belleza y a la vez tanta rabia (contenida por momentos, mostrada en otras). Los seguidores de mi blog, que los hay (increíblemente), ya sabrán a qué referencias estoy señalando: Shane (George Stevens, 1953), Alphabet City (Amos Poe, 1984), Thief (Michael Mann, 1981), así como el trabajo que había desarrollado el director en su país, Dinamarca.

Drive tiene un planteamiento realista, pero que a medida que va avanzando el metraje se convierte más en algo onírico o, incluso, una fábula, como la de Esopo que se cita en la propia cinta del escorpión y la rana. Obviamente, el escorpión es el conductor, que lleva su chaqueta de cuero del revés y luce su forro, con un inmenso escorpión en él que queda bien visible. Sabemos que escorpio es el signo de marte y, por tanto, el signo guerrero por excelencia. En este sentido, los momentos en los que el film abandona el realismo pueden parecer fuera de lugar, pero en la lógica interna del guión tienen su sentido. Y creo que precisamente esos momentos irreales, casi diríamos surrealistas (inexistentes en el resto de la filmografía de Refn), son los que me han obsesionado de la película, los que dan a la cinta un carácter a la vez atrayente y repelente, similares a otros productos culturales que en su día causaron (y causan) esa inquietud, esa mezcla de placer y desazón, eso que los gallegos llamamos "desacougo": las pinturas de H.R. Giger y Dalí, los cómics Torpedo (Bernet y Abulí) y Keibol Black (Miguel Ángel Martín), el cine de Sam Peckinpah... Mi deficiente dominio del inglés no me hicieron caer en las cuatro primeras veces que vi la película que "drive", además de conducir, en inglés quiere decir "instinto" y en esta película de arquetipos jungianos también descansa la sombra del psicoanálisis freudiano, pues los instintos de eros y tánatos del conductor salen a relucir a medida que se desarrolla la película. Curiosamente, esta película es más explícita en el tema del tánatos que del eros, pues, como me hizo notar una querida amiga, el contacto sexual entre los protagonistas es tan sólo indicado con un sutil poner la mano de ella encima de la de él, que, a su vez, se encuentra sobre el cambio de marchas del coche (supongo que este detalle, igual que a mí, se le habrá escapado a mucha otra gente), mientras que la película es muy directa en lo tocante a la violencia.

En cuanto al trabajo de los actores, cabe destacar el magnífico papel que desempeña Ryan Gossling muy contenido, que no mueve un músculo facial más de los necesarios, así como el del Bryan Cranston de Breaking Bad, que borda su actuación. La británica Carey Mulligan, que en otras películas me parece un poco ñoña, resulta perfecta y adorable en este papel.

Tanto el guión de Hossein Amini como la música original de Cliff Martínez, las canciones de Kavinsky, Desire, College y Chromatics, la cinematografía de Newton Thomas Sigel y la dirección me parecen geniales. En este último aspecto destacaría las secuencias de persecuciones de automóviles y la única escena en la que se ve al conductor en acción en su faceta de conductor de carreras. Ahí se nos muestra el coche de frente en un travelling a la misma velocidad a la que se desplaza el vehículo, para luego acercarse, probablemente mediante un zoom. Esta escena me parece genial. Ya veis que soy un rendido admirador de esta película, a la que, en mi opinión, ni le sobra ni le falta nada.

Drive ha sido nominada para el Oscar al mejor sonido y a la palma de oro en Cannes y ganó el premio al mejor director en ese mismo festival.

Los cuatro protagonistas de la película

Sobre la elección de la novela de James Sallis para adaptarla al cine, Nicolas Winding Refn dijo: "No fue tanto la historia la que me intrigó. Fue más el concepto y la idea de un hombre con personalidades separadas, que podía ser especialista de cine de día y conductor en fugas por la noche Me interesó muchísimo. Leyendo el libro, sentí una atracción creciente por el protagonista, un hábil y arriesgado conductor. Se trataba de un individuo enigmático y reservado que vivía según su propio código de conducta. Me recordaba a algunos de mis héroes del pasado, a esos personajes de cine que admiraba de pequeño, los que interpretaban Steve McQueen y Clint Eastwood. Hombres que hablaban poco pero que lo decían todo con sus actos. En resumidas cuentas, me enamoré de esa pequeña historia que relataba J. Sallis. Me pareció que el mundo que se describía en el libro tenía que conservar toda su crudeza en el guión. Esa visión descarnada proviene de la forma en la que el conductor ve el mundo desde el coche. Había que trasladar esa perspectiva para convertir esta película en una experiencia cinematográfica absolutamente original".

El guionista del film, Hossein Amini afirmó sobre el libreto: "Era extraño que un estudio quisiera llevar a la pantalla un libro como ese porque es muy corto, muy oscuro. Parece casi como un poema. Lo que me gustaba de la historia eran los personajes tan extraordinarios que había creado el novelista con un argumento tan sencillo. El mayor reto era que el libro no contenía una historia lineal. Daba saltos y había muchos flash-backs. Es una estructura interesante para una novela, pero no es nada fácil convertirla en una película comercial. La idea de un "atraco que sale mal" se ha visto ya en un montón de películas. Pero lo interesante del libro era cómo afectaba a los diferentes personajes. El atraco no solo tiene consecuencias para el conductor. Tiene repercusiones en todos".

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Ficha en IMDb: http://www.imdb.com/title/tt0780504/
Ficha en filmaffinity: http://www.filmaffinity.com/es/film832415.html

(Actualizado el 26/09/2012 a las 17:11)

Mini-crítica del corto "Ojos que no ven"

Ojos que no ven (Natalia Mateo, 2012) me resultó relativamente realista en su acumulación de absurdos en una cena familiar navideña, pues en mi casa siempre han sido así, pero el particular sentido del humor de Mateo no coincide con el mío y el corto, supuestamente cómico, no me logró hacer reír ni una vez. Particularmente el gag final, de tan esperado, resulta totalmente prescindible y en la proyección a la que asistí no despertó ni una risa entre el público. Lamento no tener nada bueno que decir de esta película.

Ficha en IMDb: http://www.imdb.com/title/tt2369169/

Mini-crítica del corto "Ebu Gogo"

Ebu Gogo (2012) es un documentadísimo documental (valga la redundancia) de corto metraje dirigido por el granadino Joshué Guerrero que cuenta el extraño caso del descubrimiento de restos de la especie de homínidos enanos Homo Floresciencis en la cueva de Lia Bua (Indonesia). El caso tiene su misterio, pues el descubrimiento se trató de ocultar y uno de los descubridores, Gert van der Berg, desapareció misteriosamente tras el hallazgo. Si lo que narra esta película, fruto de una investigación científica y concienzuda, es digno de asombro, no lo es menos la pericia con la que está realizado por Guerrero, que en esta su primera incursión en el documental realiza un tour de force digno de todo elogio. Auguramos grandes éxitos en el futuro para este prometedor realizador.

Joshué Guerrero (en el centro), entrevistado en una emisora de radio

El corto se puede ver aquí:

Mini-crítica del corto "Aquel no era yo"

Aquel no era yo (Esteban Crespo, 2012) es un cortometraje comprometido y de denuncia, de gran empaque, rodado con muchos medios y de muy buena factura técnica, con un argumento brutalmente desgarrador inspirado en hechos reales y que trata del tema de los niños soldados en África. Destaca en el aspecto técnico la gran verosimilitud de la película, que en realidad fue rodada en Toledo.

En cuanto a la interpretación, en esta película se da un caso curioso, pues los protagonistas, los blancos, supuestamente los únicos actores profesionales de la cinta, lo hacen bastante mal. En especial es lamentable el comienzo del film, en el que cantan una jota guarra. Por el contrario, los actores no profesionales que interpretan a los personajes africanos, bordan sus papeles y dan un gran realismo a la película.

Ficha en IMDb: http://www.imdb.com/title/tt2372213/

Mini-críticas de los cortos "El otro" y "The Strange Ones"

¡¡¡ATENCIÓN!!! En contra de lo que es habitual en este blog, ¡¡¡ESTAS CRÍTICAS CONTIENEN SPOILERS!!!

El cortometraje El otro (Jorge C. Dorado, 2012), ganador de uno de los premios de la última edición del festival de cortometrajes de Medina del Campo (Valladolid), es una revisión del mito de Dr. Jekyll y Mr. Hyde rodada en España pero como si esto fuera Estados Unidos (desde el diner en el que se conocen los protagonistas, los paisajes, el hecho de que el protagonista masculino viva en una caravana, etc.). La película trata sobre un hombre que se filma todas las noches y al día siguiente ve las cintas (en lo que para mí es un claro homenaje a Arrebato de Iván Zulueta). ¿Por qué lo hace? De momento lo ignoramos, pero más adelante vemos que tiene miedo de haber cometido algún crimen durante el sueño. La película me estaba gustando porque te dejaba la duda de si el protagonista sabía realmente lo que estaba haciendo o no, pero el último plano, en el que Hovik Keuchkerian mira a la cámara, queda claro que Andrés sí sabe lo que hace, lo hace a posta, y va a machacar a Daniela. Si no fuera por este último plano, me hubiera parecido un buen corto, pero el plano final lo estropea todo.

La película cuenta con guión de Luiso Berdejo, uno de los guionistas, entre otras, de [Rec] (2007), actualmente afincado en Hollywood y director de la una de las últimas que ha protagonizado Kevin Costner: The New Daughter (2009).

La bella Marian Álvarez interpreta a la argentina Daniela

Ficha en IMDb: http://www.imdb.com/title/tt2336265/
Ficha en filmaffinity: http://www.filmaffinity.com/es/film702276.html

Sí mantiene la duda en todo momento el corto ganador de otro de los premios del festival de Medina del Campo (parece que este tipo de películas con doble lectura les gustó al jurado), The Strange Ones (Christopher Radcliff y Lauren Wolkstein, 2011), en la que un joven y un niño recalan en la piscina de un motel y cada uno de los dos cuenta una historia distinta a la encargada del establecimiento. El joven les dice que son hermanos que van al funeral de su madre y el niño le cuenta que el otro es un abusador que le ha raptado. ¿Quién tiene razón? ¿Qué debería hacer ella?

Cartel del cortometraje

Ficha en IMDb: http://www.imdb.com/title/tt1762363/ 

Mini-crítica de "Ichimei"

Ichimei (Hara-Kiri: muerte de un samurai, Takashi Miike, 2011) es una revisión de Seppuku (Harakiri, Masaki Kobayashi, 1962) por parte del creador de pesadillas gore como Audition (1999). La verdad es que no me esperaba una pelicula tan bella y contenida, en la que tan sólo hay un momento realmente asqueroso y que te hace apartar la mirada de la pantalla.

La cinta, cuya historia está narrada a través de largos flash-backs, cuenta con una fotografía y un montaje impecables, e ignoro cuánto debe a la película en la que está basada, pues no la he visto todavía.

En mi opinión, la tesis del film es la importancia de la dignidad humana y de la coherencia de ésta con las situaciones que a uno le toca vivir. Así, los samurais del clan que obligan al pobre samurai sin empleo a suicidarse en contra de su voluntad porque siguen al pie de la letra la ley del honor de caballería y para evitar que más pobres hagan lo mismo para ganarse unas monedas, en realidad están siendo deshonorables, porque sólo están atendiendo a la letra de la ley, no a su espíritu, mientras que el samurai empobrecido que tiene que pedir para alimentar a su esposa e hijo enfermos es quien está siendo digno, al igual que su suegro, que logra tomarse venganza.

En definitva, una muy buena película tanto en el plano técnico como en su mensaje que recomiendo a todo el mundo.

Ficha en IMDb: http://www.imdb.com/title/tt1728196/
Ficha en filmaffinity: http://www.filmaffinity.com/es/film218626.html

Reseña de "O misterioso Dr. Saa"

La biografía O misterioso Dr. Saa (Xerais, 2012), de Xosé Díaz Díaz y Belén Fernández Guzmán, es la primera que se escribe sobre el ilusionista lucense Manuel Rodríguez Saa (1885-1984), que, con el nombre artístico de Conde de Waldemar, recorrió y triunfó por los escenarios de los cinco continentes, y llevó una vida que más fue una novela de aventuras.

Como primera aproximación a la vida de este mago, la biografía merece aplauso, pero me parece que los autores no hicieron todo el esfuerzo que podrían por conocer todo lo posible acerca de esta figura casi legendaria, máxime cuando algunos de sus protagonistas aún están vivos. Así, todo el tiempo se habla de que su contacto en el diario de Lugo, El Progreso, ciudad en la que recalaba el mago cada x tiempo, era el periodista Trapero Pardo, que le hizo varias entrevistas, y eso es cierto, pero los autores no se pusieron en contacto (ni en ningún momento se le cita), con otro periodista de este medio, Ángel de la Vega (mi padre), que, para colmo, también ha publicado en Xerais, y los autores tienen la indecencia de incluir el recorte de una de las entrevistas que le hizo y en el que, para más inri, se puede leer el nombre del autor de la pieza. Espero que esto se pueda solucionar en próximas ediciones del libro.

Me gusta el modo en el que los autores han sabido hilvanar los pocos datos que tenían del prestidigitador para crear una historia más o menos continua, rellenando las lagunas con imaginación. Sin embargo, me atrevo a decir que el propio mago les metió (incluso después de muerto) algún gol, como es el caso del titular de primera plana del San Francisco Star en el que se lee "Conde de Saa Stops Trafic at G.G. Brige" (sic), con dos faltas de ortografía, en "Trafic" y en "Brige", cosa en la que me parece imposible que en los años 40 nadie en el prestigioso rotativo se fijara. Se ve que De Saa no dominaba la lengua de Shakespeare al crear un titular falso y tampoco los autores del libro, que escriben "Bross" con dos eses y "bussiness" con cuatro.

Quitando estos detalles, la biografía, casi diríamos novelada, me parece buena y viene a cubrir un espacio vacío en el conocimiento de este ilusionista, del que espero que o bien se publiquen más biografías o bien se hagan ediciones aumentadas y corregidas de esta primera.

Mini-crítica de "De tu ventana a la mía"

Fui a ver De tu ventana a la mía (Paula Ortiz, 2011) al cine cuando se estrenó y no paré de retorcerme en la butaca y desear abandonar la sala. Me pareció ñoña y sexista. Ahora la veo por segunda vez y, quizá por ya saber de qué se trataba, la disfruté, hasta el punto de decir que, si bien no es una obra maestra, sí es una película con ideas interesantes y hasta diría que me gustó en este segundo visionado.

En esta ocasión tuve la ventaja de tener a la directora en persona para poder intercambiar opiniones con ella y para justificar algunas decisiones de la película y contar anécdotas y detalles de su producción.

Si en mi primer visionado me pareció sexista la película fue porque al centrarse en la vida de tres mujeres maravillosas, guapísimas, inteligentes... los personajes masculinos aparecen totalmente desdibujados, como peleles, y encarnados por los actores más sosos que la directora pudo encontrar, logrando el efecto contrario a lo que la crítica feminista ha visto en el cine comercial de todos los tiempos (un cine de hombres y para hombres en el que las mujeres son tontas): Paula Ortiz se ha pasado por el otro lado. A mi pregunta, la directora afirmó que esa decisión la tomó conscentemente para resaltar aun más las figuras femeninas.

En cuanto a lo de que en su aspecto visual la primera vez que la vi me pareció ñoña, con ese amaneramiento e idealización de los tres paisajes aragoneses (Zaragoza, Canfrán y las Cinco Villas), en esta segunda vez lo acepté y me gustó. Supongo que el cine tiene esas paradojas.

En todo caso, quiero destacar dos aspectos muy logrados de la película, aparte de la ya mencionada fotografía: unas grandes interpretaciones por parte de las tres actrices protagonistas y muy buena recreación histórica de las tres épocas de la historia española (y aragonesa) escogidas: los años 20, la guerra civil y la transición a la democracia.

Ficha en IMDb: http://www.imdb.com/title/tt1423922/

Ficha en filmaffinity: http://www.filmaffinity.com/es/film309746.html