Mini-crítica de "Ichimei"

Ichimei (Hara-Kiri: muerte de un samurai, Takashi Miike, 2011) es una revisión de Seppuku (Harakiri, Masaki Kobayashi, 1962) por parte del creador de pesadillas gore como Audition (1999). La verdad es que no me esperaba una pelicula tan bella y contenida, en la que tan sólo hay un momento realmente asqueroso y que te hace apartar la mirada de la pantalla.

La cinta, cuya historia está narrada a través de largos flash-backs, cuenta con una fotografía y un montaje impecables, e ignoro cuánto debe a la película en la que está basada, pues no la he visto todavía.

En mi opinión, la tesis del film es la importancia de la dignidad humana y de la coherencia de ésta con las situaciones que a uno le toca vivir. Así, los samurais del clan que obligan al pobre samurai sin empleo a suicidarse en contra de su voluntad porque siguen al pie de la letra la ley del honor de caballería y para evitar que más pobres hagan lo mismo para ganarse unas monedas, en realidad están siendo deshonorables, porque sólo están atendiendo a la letra de la ley, no a su espíritu, mientras que el samurai empobrecido que tiene que pedir para alimentar a su esposa e hijo enfermos es quien está siendo digno, al igual que su suegro, que logra tomarse venganza.

En definitva, una muy buena película tanto en el plano técnico como en su mensaje que recomiendo a todo el mundo.

Ficha en IMDb: http://www.imdb.com/title/tt1728196/
Ficha en filmaffinity: http://www.filmaffinity.com/es/film218626.html

Reseña de "O misterioso Dr. Saa"

La biografía O misterioso Dr. Saa (Xerais, 2012), de Xosé Díaz Díaz y Belén Fernández Guzmán, es la primera que se escribe sobre el ilusionista lucense Manuel Rodríguez Saa (1885-1984), que, con el nombre artístico de Conde de Waldemar, recorrió y triunfó por los escenarios de los cinco continentes, y llevó una vida que más fue una novela de aventuras.

Como primera aproximación a la vida de este mago, la biografía merece aplauso, pero me parece que los autores no hicieron todo el esfuerzo que podrían por conocer todo lo posible acerca de esta figura casi legendaria, máxime cuando algunos de sus protagonistas aún están vivos. Así, todo el tiempo se habla de que su contacto en el diario de Lugo, El Progreso, ciudad en la que recalaba el mago cada x tiempo, era el periodista Trapero Pardo, que le hizo varias entrevistas, y eso es cierto, pero los autores no se pusieron en contacto (ni en ningún momento se le cita), con otro periodista de este medio, Ángel de la Vega (mi padre), que, para colmo, también ha publicado en Xerais, y los autores tienen la indecencia de incluir el recorte de una de las entrevistas que le hizo y en el que, para más inri, se puede leer el nombre del autor de la pieza. Espero que esto se pueda solucionar en próximas ediciones del libro.

Me gusta el modo en el que los autores han sabido hilvanar los pocos datos que tenían del prestidigitador para crear una historia más o menos continua, rellenando las lagunas con imaginación. Sin embargo, me atrevo a decir que el propio mago les metió (incluso después de muerto) algún gol, como es el caso del titular de primera plana del San Francisco Star en el que se lee "Conde de Saa Stops Trafic at G.G. Brige" (sic), con dos faltas de ortografía, en "Trafic" y en "Brige", cosa en la que me parece imposible que en los años 40 nadie en el prestigioso rotativo se fijara. Se ve que De Saa no dominaba la lengua de Shakespeare al crear un titular falso y tampoco los autores del libro, que escriben "Bross" con dos eses y "bussiness" con cuatro.

Quitando estos detalles, la biografía, casi diríamos novelada, me parece buena y viene a cubrir un espacio vacío en el conocimiento de este ilusionista, del que espero que o bien se publiquen más biografías o bien se hagan ediciones aumentadas y corregidas de esta primera.

Mini-crítica de "De tu ventana a la mía"

Fui a ver De tu ventana a la mía (Paula Ortiz, 2011) al cine cuando se estrenó y no paré de retorcerme en la butaca y desear abandonar la sala. Me pareció ñoña y sexista. Ahora la veo por segunda vez y, quizá por ya saber de qué se trataba, la disfruté, hasta el punto de decir que, si bien no es una obra maestra, sí es una película con ideas interesantes y hasta diría que me gustó en este segundo visionado.

En esta ocasión tuve la ventaja de tener a la directora en persona para poder intercambiar opiniones con ella y para justificar algunas decisiones de la película y contar anécdotas y detalles de su producción.

Si en mi primer visionado me pareció sexista la película fue porque al centrarse en la vida de tres mujeres maravillosas, guapísimas, inteligentes... los personajes masculinos aparecen totalmente desdibujados, como peleles, y encarnados por los actores más sosos que la directora pudo encontrar, logrando el efecto contrario a lo que la crítica feminista ha visto en el cine comercial de todos los tiempos (un cine de hombres y para hombres en el que las mujeres son tontas): Paula Ortiz se ha pasado por el otro lado. A mi pregunta, la directora afirmó que esa decisión la tomó conscentemente para resaltar aun más las figuras femeninas.

En cuanto a lo de que en su aspecto visual la primera vez que la vi me pareció ñoña, con ese amaneramiento e idealización de los tres paisajes aragoneses (Zaragoza, Canfrán y las Cinco Villas), en esta segunda vez lo acepté y me gustó. Supongo que el cine tiene esas paradojas.

En todo caso, quiero destacar dos aspectos muy logrados de la película, aparte de la ya mencionada fotografía: unas grandes interpretaciones por parte de las tres actrices protagonistas y muy buena recreación histórica de las tres épocas de la historia española (y aragonesa) escogidas: los años 20, la guerra civil y la transición a la democracia.

Ficha en IMDb: http://www.imdb.com/title/tt1423922/

Ficha en filmaffinity: http://www.filmaffinity.com/es/film309746.html

Mini-crítica de "Kûki ningyô"

Si hace unas semanas, criticando Lars and the Real Girl (Craig Gillespie, 2007) se me venía a la mente Tamaño natural (José Luis García Berlanga, 1974), por casualidad veo ahora otra película sobre el tema de la muñeca inflable, Kûki ningyô (Air Doll, Hirokazu Kore-eda, 2009) y quizá nos encontremos en este caso con la mejor de las tres, una película compleja que por momentos te hace reír y también llorar.

Kûki ningyô representa una dura crítica contra la situación de la mujer en Japón, además de criticar la sociedad tan obsesiva en la que vivimos, tanto en Japón como en otros países, que nos lleva inevitablemente a la soledad, sobre todo en las grandes ciudades. La tesis de la película es que en realidad todos estamos tan vacíos como la muñeca, incluso más que ella, y que todos somos sustitutos de alguna otra cosa, llegando incluso a preferir al sustituto (una muñeca) antes que a la cosa real (una mujer).

La actriz coreana Doona Bae está perfecta como muñeca que cobra vida, sensible, despierta y entusiasta con cada pequeño detalle que descubre en esta vida, tan llena de buenos momentos (aunque también con algunos malos). Tanto el buen hacer de la protagonista como los magníficos efectos especiales hacen que veamos cómo la muñeca se va personificando poco a poco (su cara cobra vida, sus ojos se iluminan, le desaparecen las costuras...) y no sé si es sugestión mía o intención del director, pero por el contrario los otros personajes me dieron la impresión de que poco a poco se iban convirtiendo en muñecos, con ese brillo cerúleo del plástico inflable.

El film tiene claras referencias a The Wizard of Oz (El mago de Oz, Victor Fleming, 1939) y el hecho de que la ex-muñeca trabaje en un vídeo-club da lugar a muchos otros homenajes, en concreto al cortometraje Le ballon rouge (El globo rojo, Albert Lamorisse, 1956).

Sobre cómo nació la idea para esta película, Kore-eda ha dicho: "El cómic La figura neumática de una chica, de Yoshiie Gouda, salió a la venta en febrero de 2000, publicado por  Shogakukan. Recuerdo lo mucho que me perturbó ese manga. La muñeca, a la que el ser amado insufla vida, pasea por la ciudad de noche mientras se dice a sí misma: 'Su aliento llena mi cuerpo vacío. Posiblemente nunca pueda hincharme a mí misma. Pero aunque signifique el fin de mi vida, no me importa'. La muñeca está decidida a disfrutar de la vida aunque eso signifique morir". Precisamente la voz en off (en realidad habría que decir la voz en over), que equivale al pensamiento de la muñeca, nos da la clave de lo que pasa por su cabeza y, en definitiva, de la trama, y es un elemento fundamental de la película muy bien llevado por el director.

En definitiva, se trata de una película emocionante con varios niveles de lectura que recomiendo a todo el mundo.

Ficha en IMDb: http://www.imdb.com/title/tt1371630/

Ficha en filmaffinity: http://www.filmaffinity.com/es/film355644.html

Crítica de "Crimen ferpecto"

Me encuentro revisando la filmografía de Álex de la Iglesia y ahora le tocaba el turno a Crimen ferpecto (2004), película que aprovecha acertadamente las posibilidades cómicas que ofrecen temas como el consumismo y la importancia que damos en nuestra sociedad a la belleza y a la apariencia.

En su día la había ido a ver al cine y me había gustado bastante (aunque el final me había desconcertado), incluso la había comprado en DVD, si bien no la había vuelto a ver. Aprovecho ahora para ver los extras, que incluyen escenas eliminadas del montaje final, que me dieron una pista de por qué me había desconcertado tanto el final la primera vez que la vi y es que en el montaje definitivo, para acortar la duración de la cinta y darle un ritmo más veloz, se cortó una escena que, en mi opinión, es clave para entender el final. Resulta que en el montaje definitivo no vemos en ningún momento que Lourdes (Mónica Cervera) tenga ilusiones de convertirse en diseñadora y creadora de tendencias. Solamente intuimos esto un poquito en la breve escena en la que le enseña cuadros de payasos tristes a su marido y también se nos habla del éxito que supuso para la tienda la nueva política, debida a Lourdes, de contratar a vendedoras feas, pero la cosa queda ahí, no se desarrolla más, con lo cual no se entiende que al final de la cinta, cuando ella triunfa, se convierta en una gran marcadora de tendencias de moda, pues en la escena recortada (la del estacionamiento subterráneo) ella le contaba a Rafael (Guillermo Toledo) sus planes, que eran mucho más ambiciosos que los de él, pues él simplemente aspiraba a ser jefe de planta en sus grandes almacenes, mientras que ella quería hacerse con el control de los almacenes y extenderse por todo el mundo.

Éste es uno de los problemas de la película en cuanto al guión. Otro es que la cinta comienza con un estilo postmoderno en el que vemos el mundo desde el punto de vista del protagonista (con recursos similares a los utilizados por Jorge Coira en la anterior El año de la garrapata, una película genial, que, sin embargo, tuvo muy mala crítica). Esto sigue a lo largo de la mayor parte del film (así vemos todo el tiempo las conversaciones que él tiene con el fantasma de Don Antonio, fantasma, obviamente, creado por su propia locura). Sin embargo, este punto de vista subjetivo se va diluyendo poco a poco y hacia el final de la cinta se pasa a un punto de vista bastante neutro, objetivo. Quiero decir que no hay una unidad en los modos de narrar, como sí logra el director Jorge Coira en otra comedia española del mismo año que a mí me encanta: El año de la garrapata. En mi opinión, si no fuera por estos dos problemas el guión de la película sería perfecto (se nota el buen hacer de Jorge Guerricaechevarría).

En el aspecto actoral, los protagonistas hacen buenas intervenciones, con especial mención de Luis Varela, que borda su papel, tanto de vivo como de muerto.

Y -¿cómo no?- no puedo acabar esta crítica sin hacer mención a los declarados homenajes de la película, en concreto, a Dial 'M' for Murder (Crimen perfecto, Alfred Hitchcock, 1954), Anatomy of a Murder (Otto Preminger, 1959), Aro Tolbukhin: en la mete del asesino (Isaac-Pierre Racine, Agustí Villaronga y Lydia Zimmermann, 2002) -que voy a ver pero ya- y, muy especialmente, Ensayo de un crimen (La vida criminal de Archibaldo de la Cruz, Luis Buñuel, 1955), una de mis películas favoritas y una cinta atípica en la filmografía de Buñuel. En este último caso cabe resaltar que De la Iglesia selecciona una secuencia genial a la vez que surrealista y, además, se las apaña para que el visionado de esta secuencia (que se queda grabado a la mente enfermiza de Rafael) pase a ser parte de la propia trama, en una pirueta metacinematográfica arriesgada y bien llevada.

De esta película dice C. Aguilar en su Guía del cine de 2009, en una de sus famosas críticas-tweet: "Cómedia ácido-grotesca que, tras un comienzo prometeor, decae progresivamente a lo largo de un desarrollo demasiado reconocible, y previsible, respecto a la obra previa de su autor. La equivocada elección de Guillermo Toledo (buen actor, por otra parte) para el papel protagonista temina de malograr un film sólo apto para los más acérrimos incondicionales de Álex de la Iglesia".

Ficha en IMDb: http://www.imdb.com/title/tt0395125/
Ficha en filmaffinity: http://www.filmaffinity.com/es/film579558.html

(Actualizado el 05/11/2012)

Conexiones: "Wild at Heart"/"Perdita Durango"

¿Qué tienen en común estas dos películas? Por un lado, Wild at Heart (Corazón salvaje, 1990), obra del famoso David Lynch, con Nicolas Cage, Laura Dern y Willem Dafoe. Por el otro, la co-producción hispano-mexicana-estadounidense Perdita Durango (1997), con Rosie Pérez, Javier Bardem y uno de mis cantantes favoritos, Screamin' Jay Hawkins, una película incomprendida, que en su día pasó desapercibida y, para mí, una de las mejores del ex presidente de la academia de cine española. Esta última cinta obtuvo malos resultados de crítica y público, en mi opinión, porque la gente esperaba ver una comedia, el género en el que De la Iglesia se suele especializar, y se encontró con una película violenta y fría al estilo de Sam Peckinpah.

¿Cuál es la relación? Piénsenlo ustedes un poco y luego siguen leyendo.

 Cartel de la película de David Lynch

Afiche de la película de Álex de la Iglesia

Pues para los que aún no hayan adivinado la conexión, les daré la respuesta (yo la he descubierto por casualidad hace poco): ambas están basadas en novelas de la misma serie creada por el escritor estadounidense Barry Gifford; en concreto, la de Lynch está inspirada en la primera de la serie Wild at Heart: The Story of Sailor and Julia (1990), mientras que la de De la Iglesia, en la la tercera de la serie: 59° and Raining: The Story of Perdita Durango (1992).

Conciertos muy especiales

De unos años a esta parte en el mundo de la música rock se han puesto de moda los conciertos que recrean un álbum concreto de una banda. Estos conciertos a menudo intentan mantener al máximo la condiciones originales, incluso el orden de las canciones del álbum y su instrumentación, si bien normalmente en los bises el grupo en cuestión aprovecha para interpretar otros de sus éxitos de todos los tiempos.

Que yo sepa, dio el pistoletazo de salida el recientemente fallecido Arthur Lee en 2003 con una gira en la que recreaba con orquesta de cuerda el más famoso disco de Love, Forever Changes (1967), coincidiendo con el 35º aniversario del disco. Claro que él era el único de los miembros originales de la banda en el escenario (especialmente desde la triste muerte de Bryan MacLean en 1998). El primer recital de esta serie fue registrado en el álbum The Forever Changes Live Concert. Le siguió Brian Wilson en 2004 con una serie de conciertos y un álbum en los que recreaba el proyectado LP de The Beach Boys Smile, el mítico disco maldito que iba a ser la continuación de Pet Sounds (1966) pero que nunca se llegó a terminar. Un caso un poco más raro es el de The Posies en 2010 interpretando en concierto no un álbum suyo, sino la totalidad de las canciones de A Catholic Education (1990) de la banda escocesa Teenage Fanclub. Big Star (o lo que queda de él, es decir, Jodie Stephens) ha hecho lo propio este año con las canciones de su obra maestra, Third/Sister Lovers (grabado en 1974 pero publicado por primera vez en 1978), en una gira con orquesta incluida que pasó por el Primavera Sound de Barcelona, con una extensísima lista de invitados. En este caso la conmemoración no se debe a que el disco cumpliera un número redondo de años, sino a la muerte del alma mater de ese disco y creador de casi todas las canciones: Alex Chilton. Curiosamente, se da la circunstancia de que el propio Chilton se negaba a tocar en directo la gran mayoría de los temas de ese álbum.

En el caso de España también se ha puesto de moda esta costumbre (siempre tenemos que copiar todo lo que viene de los países anglosajones) y así este año Kiko Veneno está haciendo una serie de conciertos en los que toca todos los temas del que tal vez sea su mejor disco: Échate un cantecito (1992), coincidiendo con el vigésimo aniversario del disco y con el lanzamiento de un pack conmemorativo. Poco después del concierto inaugural de la gira de Kiko, el grupo granadino Lagartija Nick hizo otro tanto con su disco Hipnosis (1991), claro que en mi opinión sería mejor que lo hiciera con mi favorito: Inercia (1992), quizá lo hagan el año que viene.

No sé si tomarme estas iniciativas como una manera de rescatar grandes discos o si se trata de que la música actual está en una verdadera crisis y aflora la nostalgia, además de buscar exprimir un poco más lo que una vez dio dinero. ¿Quién creéis que puede ser el siguiente?

Mini-crítica de "Tlayucan"

Tlayucan (Luis Alcoriza, 1962) es una especie de versión mexicana de It's a Wonderful Life (¡Qué bello es vivir!, Frank Capra, 1946), en la que los mismos paisanos que hacen la vida imposible a un campesino se convierten al final de la cinta en sus salvadores, en una pirueta un tanto hipocritona, para acabar diciendo, parafraseando a Manuel Summers, que "to er mundo e güeno".

Para mí la película tiene un valor añadido ya que entre los actores secundarios descubrí a Jeanne Rucar, señora de Buñuel, haciendo de turista gringa (¡qué ironía... ella, tan francesa!), y luego comprobé en IMDb que es la única película en la que Rucar ejerció de actriz.

Desde luego, este film refleja muy bien la forma de vida y la esencia del ámbito rural mexicano, y llama la atención que entre los directores de la época dorada del cine azteca hubiera tres españoles (Buñuel, Alcoriza y Velo) que fueron de los que mejor supieron reflejar la esencia del este país.

Esta película fue calificada por C. Aguilar (2009) como "uno de los titulos esenciales en la filmografía de Alcoriza".

Ficha en IMDb: http://www.imdb.com/title/tt0055527/
Ficha en filmaffinity: http://www.filmaffinity.com/es/film475310.html

Mini-crítica de "Akiresu to kame"

Sin duda Takeshi Kitano es un genio del cine. Alguien capaz de hacer obras maestras como Zatoichi (2003) y Kikujirô no natsu (1999) así lo demuestra. Sin embargo, para mí que a veces se le va la olla. No sé qué quería decir con Akiresu to kame (Aquiles y la tortuga, 2008), no entiendo siquiera a qué viene el título.

Dicho esto, intentaré hacer esta crítica lo mejor que pueda. Se trata de una película que habla sobre una persona capaz de hacer cualquier cosa por el arte, desde ahogarse hasta quemarse, y también de lo volátil del mercado del arte (personificado aquí en el ARTE con mayúsculas: la pintura, pero que creo que se puede aplicar a cualquier arte y, en concreto, Kitano probablemente se esté refiriendo también al cine) y lo poco que tiene que ver con el talento o la creatividad, así como lo mucho que tiene que ver con la publicidad, las tendencias, el saber venderse...

La trama se me hizo aburrida por momentos pero tengo que reconocer que Beat Takeshi logró en esta película secuencias bellísimas, como cuando por primera vez se nos presenta el colegio al que va a acudir el pequeño Machisu, filmada con la cámara en una grúa sobre raíles que combina el movimiento ascendente y longitudinal con gran maestría, y la escena en la que los artistas prueban a pintar el lienzo chocando con una bicicleta y un coche cargados con cubos de pintura de distintos colores, con la grúa amarilla al fondo.

En esta película el realizador japonés y su director de fotografía (Katsumi Yanagijima) muestran una gran maestría en la combinación de colores y un montón de referencias a distintos pintores y directores de cine, en concreto, en toda la parte inicial, a la obra de Yasujirô Ozu, de la que logran recrear, no sé cómo, hasta el color de la película.

Ficha en IMDb: http://www.youtube.com/watch?v=ssc7RMdkAWs
Ficha en filmaffinity: http://www.filmaffinity.com/es/film881879.html

Mini-crítica de "Si usted no puede, yo sí"

Veo Si usted no puede, yo sí (Julián Soler, 1951) por el motivo de que se trata de la única película basada en un argumento de mi ídolo Luis Buñuel que no fue rodada por él (más tarde se harían dos también películas con guiones suyos: Le Moine de Ado Kyrou en 1965 y La novia de medianoche de Antonio F. Simón en 1997). Para ser más exactos, el guión de esta cinta fue realizado por Janet Alcoriza basándose en un argumento de Buñuel y Luis Alcoriza.

Se trata de la típica comedia de enredo y no me extraña que Buñuel no la llevara a la pantalla por su baja calidad, si bien tiene momentos agraciados que provocan la sonrisa. En este sentido, mi favorita es la escena en el bar en el que queda patente el machismo mexicano y la afición de este pueblo a fajarse con el más pintado, así como el paso de ser grandes amigos a desafiarse a muerte, idea que sería más tarde desarrollada por el director aragonés en su largometraje El río y la muerte (1954-55).

En su clásica Guía del cine, Carlos Aguilar dice sobre esta película: "[...] El resultado es una comedia muy por encima de lo corriente en el cine mexicano del momento, con un grado de locura bien singular y que hace maravillas autoirónicas de sus propias limitaciones, sorteando la vulgaridad en que pudo incurrir (aunque a veces, inevitablemente, caiga en ella). Una película para redescubrir y reivindicar, con un irresistible emparejamiento humorístico entre el argentino "Zorro" y el mexicano "Mantequilla".

Ficha en IMDb: http://www.imdb.com/title/tt0262768/